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Travail de fin d’études, Académie Saint-Luc de Bruxelles (1953)

La mythologie celtique (Oisín et Niamh) : Dans la légende irlandaise, la princesse des fées Niamh chevauche un cheval blanc magique sur la mer pour emmener le guerrier Oisín (souvent associé à un cheval noir ou à des vêtements sombres) au pays de l’éternelle jeunesse (Tír na nÓg). La musique et la flûte jouent souvent un rôle envoûtant dans les ambiances celtiques.

Arthur Ryckmans (1953)

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Un loup noir qui danse comme un clown de cirque est une image surréaliste qui conviendrait à un conte fantastique ou à un film d’animation. Elle combine la nature mystérieuse et sauvage du loup avec les mouvements joyeux et théâtraux d’un clown. Le loup a un pelage noir de jais qui lui donne normalement un air dangereux. Sur son pelage, il porte des accessoires typiques du cirque. La collerette beaucoup trop grande autour de son cou et un chapeau de fête. Au lieu d’un regard sauvage, le loup arbore un grand sourire quelque peu benet, comme s’il savourait les applaudissements.

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Aarschot

huile sur toile  80 x 140cm

Dans cette grande œuvre aux teintes sépia, un peu comme sur une vieille photo, il rassemble d’importants monuments d’Aarschot. Qu’Edward Moons aimait Aarschot est hors de doute. Ce qui ne l’empêchait pas de porter un regard critique sur ce qui se passait et de pester contre ce qui lui déplaisait.

Grands blocs de pierre naturelle chez Renier à Aarschot

huile sur toile  94 x 179 cm

« Travailler dans un bureau apporte de temps en temps du stress. C’était et c’est toujours le cas chez NV Renier natuursteen. Faire beaucoup de devis et, heureusement, noter aussi beaucoup de commandes est agréable, mais finir la pierre naturelle selon la commande et respecter le délai de livraison convenu entraîne souvent beaucoup de tensions.
Cela m’aidait énormément d’avoir beaucoup d’œuvres d’art autour de moi dans notre bureau. Tout est réparti dans tous les bureaux, couloirs et salles d’exposition. Chaque œuvre d’art demande réflexion, méditation et interprétation. Cela m’apportait, et j’espère à tous nos collaborateurs aussi, du calme. Cela retenait aussi l’attention de nos visiteurs, quelque chose d’inattendu. L’art contraste fortement avec la réalité quotidienne et c’est précisément cela qui m’importe. L’art a le pouvoir de mettre quelqu’un sur un autre pied.
L’art ne doit pas nécessairement être « beau ». Mais chaque œuvre doit parler au spectateur, le toucher. Il doit y avoir une histoire derrière. L’âme de l’artiste doit être perceptible.
Pour moi, il était aussi important de connaître l’artiste lui-même. J’ai fait un point d’honneur de choisir surtout des artistes d’Aarschot.
C’est ainsi que Warre Moons est entré en scène. De son atelier, Warre avait vue sur notre stock de blocs de pierre naturelle. L’empilement de ce lourd matériau, encore sous forme de blocs bruts tels qu’extraits de la carrière, a inspiré Warre. Il a peint diverses œuvres sur ce sujet. Ce ne furent pas des natures mortes de blocs, pas de petits tableaux de paysage, mais une interprétation et une vision tout à fait personnelles. Et cela répond parfaitement à son but, faire réfléchir le spectateur (et surtout moi), le prendre à contre-pied.
Les couleurs aigue-marine et turquoise me fascinaient. Elles rapprochaient encore davantage la nature des blocs empilés.
Merci Warre ! Le tableau s’intègre parfaitement dans notre bureau et remplit certainement son but d’apporter de temps en temps du calme. » – Ir François Renier

Meetshoven, 2012un espace naturel de 57 ha à Aarschot

huile sur toile 60 x 50 cm 

huile sur toile

huile sur toile  99 x 120 cm 

huile sur toile  79 x 89 cm

Voilier, 1971

huile sur toile  58,5 x 38,5 cm 

Euphorie, à l’occasion de la naissance de Griet.

huile sur toile  69,5 x 60 cm

réalisateur vidéo : Rik Terlyn, Kunstkoppen est un projet du CC Het Gasthuis et d’IGCS. Texte dit par Griet Moons, la fille d’Edward.

« Papa était unique. Le couple que formaient maman et papa était lui aussi unique. » – Griet Moons

« Il vivait pour l’art et il avait l’art de vivre. Je ne connais personne qui avait une telle passion pour l’art et tout ce qui s’y rapporte. » – Lief Moons Holemans

Juste après son mariage avec Lief, Edward réalisa cette nature morte à l’académie. Elle devint sa première œuvre dans leur salon, 1970

huile sur toile  53  x 72 cm  

Nature morte

huile sur toile  78 x 69,5 cm

Nature morte

huile sur toile  78 x 69,5 cm

Céline Moons Schellens (1905-1998), la mère d’Edward

huile sur toile

Le père d’Edward s’appelait Gaston Moons. Il était chef de gare à Aarschot. Céline était femme au foyer et une personne en or. Le couple habitait sur la Gijmelsesteenweg et avait six enfants.

Peinture abstraite

huile sur toile  80 x 89 cm

« Edward Moons est tout à fait lui-même. Un homme qui, bien que joyeux de nature, est toujours enclin aux situations dramatiques, mais sait toujours y donner une issue d’espoir. C’est peut-être la symbolique la plus pure du cor irrequietum, du cœur humain qui est inquiet, en quête du bien, du beau, du vrai. » – Clem De Ridder compositeur et écrivain flamand

Peinture abstraite

huile sur toile  70 x 50 cm 

Peinture abstraite

huile sur toile  78,5 x 89 cm

Peinture abstraite

huile sur toile

“Io considero il quadro uno sguardo veloce sulla realtà.  Una lampadina che si accende e poi si spegne.”  – Pietro Lista

Peinture abstraite

huile sur toile  54,5 x 75 cm  (1976)

huile sur toile  99 x 130 cm

huile sur toile  79,5 x 90 cm

Peinture abstraite

huile sur toile

« … D’un enchevêtrement de fines lignes, il pose la couleur sur la toile par touches rapides et justes. Étalée finement ou en épais coups de pinceau, infiniment riche en tons brun rouille, souvent sombres. La peinture à l’huile se prête de façon si diverse à des couches couvrantes étendues, le coup de pinceau comme de l’aquarelle, très fortement dilué en fines couches, doux comme une caresse, étalé. À peine de couleur, presque transparent. Ainsi les visages disparaissent parfois presque dans le fond sombre. Comme si la personne disparaissait presque modestement dans son environnement. » – Josée Lehon historienne de l’art

Père Damien, 2014 

huile sur toile  70 x 60 cm 

huile sur toile  50 x 64 cm

Autoportrait

huile sur toile

sans titre

huile sur toile  99 x 80 cm

Coucher de soleil et buissons, 2012

huile sur toile  50 x 60 cm 

Lagune – Cabanas au Portugal, 2012

huile sur toile  70 x 60 cm 

Lagune, Cabanas, 2014

huile sur toile  70 x 60 cm 

Edward Moons et son épouse Lief Holemans ont découvert Cabanas, au Portugal, par des amis vers 1980. Ils ont vu l’ancien et simple village de pêcheurs évoluer, mais l’endroit n’a jamais perdu son authenticité. Le couple est resté fidèle à ce lieu de vacances. Pour Edward Moons, le paysage idéal par excellence. Ou la vue sur la mer, bien sûr. Dans plus de 800 aquarelles, il a immortalisé cet endroit unique. Chaque œuvre est construite avec la précision du miniaturiste. La vue, sur terre ou sur mer, saisie en plans, de sorte que chaque œuvre, si petite soit-elle, nous montre une profondeur infinie dans des teintes claires. Un bleu profond avec une multitude de fines nuances. Outre un bon œil, l’aquarelle exige une grande expertise. Moons se montre ici encore un maître dans cette discipline difficile.

Lagune, Cabanas, 2017

huile sur toile  60 x 60 cm 

Lagune, Cabanas, 1991

huile sur toile  150 x 100 cm 

Figures spatiales, 1988Presque identiques, elles se déplacent entre les planètes, fuyant vers un autre monde de notre système solaire.
Tout se passe dans des couleurs vives et transparentes. Des sujets durs et pessimistes, mais avec la lumière de l’espoir dans chaque image.

huile sur toile  65 x 65 cm 

Figures spatiales – conquérants

huile sur toile  70 x 60 cm 

Figures spatiales – sentiment de sécurité,1990

huile sur toile  70 x 60 cm 

Figures spatiales, 1991

huile sur panneau  70 x 60 cm

« Il voit les gens comme des atomes, de la poussière comprimée entre des lignes. Des lignes pleines de douleur dans un monde plein de douleur. De petits bonshommes, sans volume, presque identiques, comme lorsqu’on regarde de loin la masse grouillante sur la terre. Ward ne tient pas compte de l’anatomie, ne trace que des contours et les remplit de couleur. Ses gens, ses paysages, ses formes sont achevés et pourtant inachevés. Ils font partie d’un processus continu de mouvement. Ils sont la vie même. Moons veut donner forme à ce monde-ci et à cet autre monde. Le thème de Ward Moons est dur et semble de prime abord pessimiste, mais si l’on continue à regarder, on voit la lumière dans chaque image, de l’espoir peut-être ? » – Ina Stabergh auteure, poète de la ville de Diest

Trois frères, 1999

huile sur toile  

Trois frères se font photographier en l’an 1913. Le conducteur Jozef Moons tomba à Ramskapelle en 1914. Joseph Moons, fils de Petrus Moons et Florentina Mertens. Né le 14 juillet 1893. « Tombé au champ d’honneur à Nieuport le 23 octobre 1914. Service funèbre en l’église Notre-Dame d’Aarschot le lundi 10 novembre 1919. »

« Chauffé à blanc par des officiers francophones pour s’engager comme volontaire. Presque aucune formation et envoyé immédiatement au front pour y tomber très vite, tout au début de la guerre, pour… la patrie. Chaque année, Lief et moi allons rendre visite à Ramskapelle (pour moi, un must). L’homme au milieu de la petite voiture est Joseph et à l’arrière mon père Gaston (frère de Joseph). » – Edward Moons

Deux amis, 2013

huile sur toile  60 x 70 cm 

Broussailles, 2017

huile sur toile  70 x 60 cm  

« Peindre, c’est mener un combat permanent avec le monde environnant, avec soi-même et avec la matière. Que ce combat ne soit jamais terminé, que les défis demeurent, afin que l’élévation spirituelle puisse rester constante dans ton atelier, ton seul monde familier. » – Paul de Keulenaar professeur à l’Athénée d’Aarschot et enseignant à l’École européenne de Bruxelles

Coucher de soleil, 2017

huile sur toile 70 x 60 cm 

Paysage, 1975

huile sur toile  100 x 150 cm 

« Moons dispose d’une palette exceptionnelle qu’il sait utiliser de manière artistiquement justifiée. Avec des moyens techniques en apparence très simples, il obtient des œuvres colorées qui sont en fait une essence apaisée et dont rayonne en même temps une expression maîtrisée. » – Maurice Haccuria peintre, sculpteur et graveur

Montagnes d’Islande, 2017

huile sur toile  90 x 80 cm 

Islande, 2017

huile sur toile  90 x 80 cm 

Islande, 2017

huile sur toile 80 x 90 cm 

Islande, 2018

huile sur toile  50 x 40 cm 

Islande, 2018

huile sur toile  60 x 70 cm

Broussailles, 2012

huile sur toile  60 x 50 cm 

Soleil levant, 2018

huile sur toile  70 x 50 cm 

Horizon lointain, 2017

huile sur toile  70 x 60 cm

« Edward Moons était un homme sensible. Il penchait parfois vers la mélancolie. Cela s’exprimait dans des œuvres sombres, disons ténébreuses. Puis elles alternaient avec des tableaux frais, colorés, figuratifs. Moons savait saisir comme personne les paysages, les bâtiments et les portraits. » – Jan Van der Borght collectionneur d’art

“Village de pêcheurs dans un paysage du sud, représenté dans des couleurs suggestives. Un monde poétique qui fait réfléchir (si seulement j’y étais). » – Edward Moons

huile sur toile

Africaine avec enfantUne scène pleine d’amour qui se déroule dans un monde dur et pourtant baigne pleinement dans la lumière éternelle.

huile sur toile

Il existe pas mal d’autoportraits d’Edward Moons. Il s’est peint de face et de profil, avec diverses expressions du visage, simple, joyeux ou sérieux. Il est clair qu’il ne le faisait pas par vanité. Le sujet se prêtait bien à l’exploration de la peinture elle-même. Les boucles de sa barbe, ses cheveux de plus en plus rares, l’expression des yeux.

portrait par l’objectif du photographe Berten

études :
École normale, enseignement artistique supérieur, arts monumentaux, peinture

Quelques-unes de ses expositions individuelles en Belgique:
Chapelle Saint-Roch à Aarschot (chemin de croix)
l’église abbatiale d’Averbode (chemin de croix)
Bruxelles : galerie ‘Astoria’ à Saint-Jacques-sur-Coudenberg, Centre culturel Neder-Over-Heembeek

Parmi ses expositions individuelles à l’étranger :
Lüdenscheid (Allemagne) : galerie ‘S’ Rathaus
Lüdenscheid : Pauluskirche (chemin de croix)
Vevey (Suisse) : galerie ‘Capricorne’
Tavira (Portugal) : galerie di arte

Œuvre représentée dans des expositions itinérantes :
Thème : Paysage – sélectionné au sein d’un groupe international au « Centre culturel de Bruxelles »

Professeur à l’Académie municipale des Beaux-Arts d’Aarschot.

Présentateur et organisateur du ‘Kunstbabbel’ : En 1989, le peintre Edward ‘Warre’ Moons lança l’Aarschotse Kunstbabbel. Pendant toutes ces années, il reçut quelques centaines de personnalités, souvent marquantes, du monde de l’art, de la musique, du sport, de la politique, etc… .

Edward Moons reçut trois fois le Prix Toetenel à Bruxelles et obtint le Prix Bob Courtens à Anvers.

Edward Moons reçut le Prix du Conseil culturel d’Aarschot en 2001.

Affiche à l’occasion d’une exposition dans les vitrines des magasins d’Aarschot en 2019.

Avec les remerciements à André Matthijssens, photographe

chemin de fer d’Aarschot

Zwanenstraat – Aarschot – Un colporteur passe avec une charrette à bras. Il vend du lait au litre et verse avec un verre doseur du lait cru d’un bidon dans la casserole que chacun apporte dehors. Donc pas d’emballage !

Jan Symons, le frère de Frans

Maria Symons Van Tongelen (1928-2018)

Elzenhof

Mère et fille allemandes devant la tour d’Orléans (vers 1958)

Enfants dans l’ombre avec le ballon

Rocco Granata – Witte Molen – Aarschot

Amie allemande et Yvonne Van Tongelen, vers 1958

Maria Symons Van Tongelen (1928-2018)

Roland Van Tongelen

À la lande d’Aarschot

L’Exposition universelle de 1958

L’Exposition universelle de 1958 – la femme au sac à main noir est Maria Symons Van Tongelen et Yvonne Coppens au sac à main blanc

Expo 58

Amie allemande et Maria Symons Van Tongelen

Cannes

Cannes

Cannes

Expo ’58 Pavillon canadien

Walter Godefroot (°1943) surnommé « Le bouledogue flamand »

Lumière, air, eau et mouvement

100×120 cm

acrylique sur toile

Avec cette série d’œuvres, Ben Van Dyck veut souligner la fragilité de notre nature.

Lumière, air, eau et mouvement

100 x 120 cm

acrylique sur toile

Lumière, air, eau et mouvement

100×120 cm

acrylique sur toile

Air Eau Vie

100×120 cm

acrylique sur toile

Lumière, air, eau et mouvement

100×120 cm

acrylique sur toile

Cette œuvre à la grenouille rayonne de vie et de mouvement.

Air Eau Vie

100×120 cm

acrylique sur toile

Air Eau Vie

100×120 cm

acrylique sur toile

Les couleurs claires, différentes nuances de jaune, de bleu et de vert, invitent le spectateur à se réjouir. Ben Van Dyck y glisse toutefois une légère accusation, sans jouer au prédicateur. Il veut souligner la fragilité de notre nature. Nous devons traiter notre environnement avec prudence et responsabilité. Dans cette série de tableaux, Ben Van Dyck utilise deux couleurs principales avec lesquelles il peut jouer pour faire naître la lumière, l’air et la vie. Et c’est cet ensemble qui fait bouger l’œuvre. Dans ce décor, Ben Van Dyck peint des animaux. Eux aussi rayonnent de force et de vie.

Air Eau Vie

100×140 cm

acrylique sur toile

Nie wieder

90x90cm

acrylique sur toile

Death Zoo

100x100cm

acrylique sur toile

Cette œuvre provient d’une série de dix sur des thèmes issus des souvenirs d’enfance de Ben, comme le cirque, la kermesse et le zoo… . Elles ressemblent à de joyeux jeux d’observation, jusqu’à ce que l’on regarde de plus près. On s’aperçoit alors qu’elles ont une macabre « dark side ».

linogravure sur papier de boucher (1 d’une série de 4)

Sloths and Coffee

acrylique sur toile

Dès son plus jeune âge, Ben Van Dyck (°1969-Aarschot) est un dessinateur passionné. En 1986, Ben, connaisseur de la meilleure bande dessinée belge, remporte le concours Marc Sleen, ce qui lui vaut un rôle de héros de BD dans une histoire de Nero. Sa fascination pour les animaux exotiques, il la tient du dessinateur de BD Marc Sleen (1922-2016). Dans ses histoires, Marc Sleen a intégré les animaux rencontrés lors de ses voyages de safari avec le roi Léopold III. Ben Van Dyck est un Flamand connu grâce à la série documentaire de la VRT, diffusée pendant des années, ‘Het Leven zoals het is’. Ben apparaît notamment dans la série télévisée du reporter Arnaut Houven ‘Leve de Zoo!’, dans ‘Blueberry Hill’ de Robbe De Hert et dans ‘Het Sacrament’ de Hugo Claus. Au zoo d’Anvers, il s’occupe entre autres de l’aménagement de l’enclos des reptiles. Au zoo de Planckendael, le phénomène Ben devient soigneur en chef des éléphants et d’autres grands mammifères. Il va de soi que le monde animal devient une source d’inspiration importante pour son œuvre. Sa peinture se divise en grandes œuvres semi-réalistes ayant la nature pour thème, et en tableaux de style cartoon dans les couleurs récurrentes que sont le noir, le blanc et le rouge. Ben a fait ses études dans les humanités artistiques d’Aarschot et de Lierre, puis a suivi une formation de réalisation au RITCS. Dans son imagination sans limites, le géant Ben Van Dyck continue de se perfectionner à l’Académie des Beaux-Arts. Cet artiste de vivre dessine, peint, réalise des œuvres graphiques, écrit, joue du théâtre de marionnettes avec des poupées faites maison en mousse ou en latex, et donne des conférences, entre autres sur l’utilité du zoo.

« Il y a quatre choses qui intéressent les gens : les autres gens, les animaux, les enfants et le malheur. » – Ben Van Dyck (photo : David Legreve)

Ben Van Dyck en action

Ben Van Dyck est un Greeter d’Aarschot

Outre les universitaires qui guident les visiteurs dans l’Aarschot ducal, il existe des guides non professionnels. Des bénévoles qui montrent leurs perles préférées du Hageland. Ils se nomment « Greeters ». Le passionné Ben Van Dyck est l’un d’eux.

Plus d’informations et réservation : toerisme@aarschot.be

« Je veux faire découvrir ma fantastique ville aux gens dans une ambiance joyeuse, décontractée et agréable, car je suis fier de ma ville. » – Ben Van Dyck

Idriz Jossa a obtenu son diplôme à l’Académie de la mode d’Anvers à la fin des années quatre-vingt et s’est fait connaître à l’époque comme le créateur de la « New Beat Fashion » et de sa collection « Clochard de Luxe », très en vogue en 2006.

Son passé de 25 ans dans le monde de la mode se ressent dans les œuvres qu’il présente. D’une part, il montre des mannequins de vitrine déconstruits qu’il habille, non pas de costumes, mais comme s’il s’agissait de modèles, et qui laissent ainsi une impression saisissante. D’autre part, il réalise des modèles imprimés en 3D, dotés d’accessoires, qui étonnent le spectateur par le jeu surprenant des différents matériaux. Il en résulte souvent une association quelque peu inquiétante de contraires. En réalité, ses sculptures « provocatrices et absurdistes » représentent le chaos et la folie qui dominent la vie depuis quelques années, par leur multiplicité, leur confusion et leur vitesse folle. Il les voit comme une sorte de combattants de la liberté pour ce que nous avons survécu ces dernières années ou ce que nous continuerons à vivre. Dans toute leur absurdité, elles ont aussi quelque chose de drôle et d’ironique. Les modèles parlent de la condition humaine ; l’extraversion éclatante des figures montre aussi leur vulnérabilité. En même temps, elles sont conçues comme un contrepoids au chaos et, en fin de compte, comme une expression de sensibilité et de beauté, car malgré tout, il veut continuer à se dire esthète.

Les photos en noir et blanc de l’Appartatelier sont de Patrick Van Vlerken

réalisateur vidéo : Rik Terlyn, Kunstkoppen est un projet du CC Het Gasthuis et d’IGCS. 

Vincent Halflants & Leen Lybeer
Il ne faut pas s’étonner si vous ne connaissez pas (encore) le couple d’artistes Leen Lybeer et Vincent Halflants. Contrairement à beaucoup d’artistes, souvent plus jeunes, ils sont peu ou pas apparus sur la scène artistique locale. Leur œuvre de toute une vie se situe à Speelhoven, la plus ancienne habitation d’Aarschot, protégée dans une réserve naturelle, en bordure de la ville, en direction de Rillaar. Ces dernières années, ils ont été un peu tirés de l’ombre après SPEELHOVEN. Jusqu’en 2006, ils ont organisé sous ce nom, pendant dix ans, une rencontre artistique particulière, chaque mois de septembre, sur leur domaine. Avec GASTHOVEN, le centre culturel Het Gasthuis d’Aarschot a pris le relais et a proposé des expositions qui ont fait parler d’elles.

Leen Lybeer et Vincent Halflants vus par l’objectif de Jef van Eynde

Une relative méconnaissance, telle est la situation du couple d’artistes. Et pourtant, les autres artistes considèrent Vincent Halflants comme leur mentor. Feu Roland Rens, omniprésent à Aarschot, rendait très souvent visite à l’atelier de Halflants et insistait pour qu’il soit reconnu. Encore ceci : Vincent Halflants a travaillé pendant des années dans les institutions psychiatriques de Tirlemont et de Diest. Les œuvres que les patients lui cédaient, il les a réunies sous le nom de Procréart, la collection qu’il a offerte au Musée Dr. Guislain de Gand en 2018.

Speelhoven.
Lors de la reconnaissance de Speelhoven comme patrimoine historique, Halflants a reçu une petite subvention pour la restauration. En contrepartie, ils ont choisi d’ouvrir le domaine pendant 10 ans, de 1997 à 2006, quelques semaines par an, aux artistes et au public. Beaucoup des artistes qui y ont participé sont depuis devenus de grands noms du monde de l’art. Pensons à Hans Op de Beeck, Berlinde de Bruyckere, Freek Wambacq (et bien d’autres artistes).
Comme l’environnement est d’un vert écrasant, de nombreux artistes ont choisi d’intervenir dans le paysage. Certains ont réalisé des constructions temporaires avec lesquelles jouaient les éléments et qui ont été pérennisées en photos, films et dessins. L’écho fut grand, y compris à l’étranger. Après la série de 10 événements, le centre culturel Het Gasthuis a pris le relais avec « Gasthoven ». L’essor actuel de la vie culturelle à Aarschot n’y est pas étranger.

Leen Lybeer (1937-2024)

Premier prix de la Province de Brabant (1966)
Prix Jeune Peinture Belge (1977)

Installation de tresses de fibres de lin colorées à la main

L’œuvre de jeunesse de Leen Lybeer s’inscrit parfaitement dans l’art textile du début des années 60. Avec de la laine, du chanvre ou du coton teints par ses soins, Lybeer tisse en haute et basse lisse. À l’origine, Lybeer opte pour des formats monumentaux dans des tapisseries et des couvre-lits. Ses chasubles s’inscrivent dans la liturgie renouvelée que l’Église catholique choisit après le Concile. Cet art appliqué n’est qu’un court prélude. Très vite, Lybeer réalise des installations textiles. Les matériaux utilisés évoluent vers une gamme plus large, avec des fils métalliques et des fibres organiques telles que l’herbe, la terre, la cendre, etc.
Son travail devient plus rigoureux, plus sévère et conceptuel. Dans des maquettes, Lybeer conçoit des œuvres spatiales. Plusieurs projets sont aussi réalisés en grand format, dans le paysage.

Cadre autour d’une colline artificielle, 1997 herbe coupée, séchée et atténuée, Bratislava

autoportrait de Leen Lybeer, 1979

œuvre abstraite géométrique à la cendre sur verre

Vincent Halflants (1934-2026)

L’œuvre de Vincent Halflants se compose pour l’essentiel de dessins au crayon et au fusain, d’aquarelles, de céramiques et de sculptures monumentales, d’assemblages de matériaux divers. Outre des compositions spatiales abstraites géométriques, c’est surtout l’être humain qui est chaque fois présent comme thème. Non pas la figure humaine dans sa perfection dessinée académique ou en portrait, mais l’être vulnérable, presque insignifiant, placé dans sa très large perspective historique. Dans l’espace et dans le temps. Halflants a souvent participé à des expositions collectives, notamment au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, et a donné des performances, notamment au Beursschouwburg. Il a notamment obtenu le Prix Jeune Sculpture Belge.

L’Homme et son ombre, 2006 – bronze et acier corten
Ce n’est qu’en 2006 qu’une œuvre de Vincent Halflants est apparue dans l’espace public à Aarschot. L’Homme et son ombre a trouvé sa place à la Kleine Bergstraat, dans la Grecht. Vincent avait alors 72 ans.

L’Homme et son ombre ne se trouve pas par hasard à cet endroit. Enfant, Vincent Halflants allait à vélo de Lubbeek à Aarschot. Sur cette colline, alors encore non bâtie, il se reposait, car de là il avait une vue splendide sur l’église Notre-Dame.

Hydroliques, Argile cuite, émailée et non émailée.

Des séries entières de constructions tubulaires ludiques racontent des histoires de liaisons dans le désert. Des liens entre des civilisations préhistoriques et, par exemple, la civilisation romaine.

Le Linceul, 2008

sculpture monumentale. acier et plomb. (0,70 x 3,60 x 0,70 m.)

Le Linceul représente la mort, non seulement du Christ, mais de nous tous. Le cœur de la foi chrétienne. Par sa mort, Dieu se montre dans le Christ comme l’homme mortel. Mais il apporte en même temps l’espoir de la résurrection et de la vie éternelle.

L’œuvre de Vincent Halflants est à la fois traditionnelle par sa signification universellement chrétienne et contemporaine par sa sobre simplicité et son abstraction. Le plomb traduit le poids de la mort. Et pourtant, avec ses teintes modestes de gris et de bleu doux, il a une certaine légèreté qui lui permet de transcender la pesanteur. De toutes les représentations funéraires, le linceul est la plus intime. La plus personnelle. L’étoffe enveloppe et voile le corps du défunt, le cache et le montre à la fois. Le linceul renvoie à la mort sur la croix et à la mise au tombeau du Christ. Le tombeau fut trouvé vide le troisième jour. Le linceul est resté comme témoin silencieux et seul objet tangible, avec la croix, et est devenu relique.

En même temps, le linceul est la manière la plus simple, la plus modeste et la plus écologique de transporter le corps d’un défunt. Hélas, nous voyons souvent aux informations le linceul qui enveloppe les victimes de guerres et de catastrophes lors des adieux dramatiques à leurs proches.

L’homme sur le socle, aquarelle de Vincent Halflants

Procréart.

Vincent Halflants a été actif pendant de nombreuses années dans les institutions psychiatriques de Diest et de Tirlemont. Les médecins avaient délibérément opté pour des thérapies alternatives dans lesquelles le patient pouvait s’exprimer librement. On avait délibérément choisi l’artiste plutôt que le thérapeute.

Halflants a opté pour un atelier ouvert où les « élèves » entraient et sortaient librement pour y travailler quand ils le voulaient. Y compris en dehors des heures régulières. Une liberté qui a disparu avec l’arrivée de nouveaux psychiatres.

Halflants proposait des thèmes, partait de l’histoire de l’art, montrait la voie dans les techniques. Plutôt que d’imposer quoi que ce soit, il laissait les participants libres. Il gagna ainsi beaucoup de confiance. Beaucoup considéraient Vincent comme un ami. Dans des lettres, des poèmes et des récits, ils racontaient leurs angoisses, leurs expériences. La culpabilité qui pésait, les « fautes » commises, les relations avec les autres résidents. Peu à peu, il est apparu que leur technique de dessin et de peinture, leur sens de l’espace et leurs réalisations spatiales évoluaient vers une forme moins chaotique. Plus posée.

Beaucoup confiaient leurs œuvres à Halflants afin qu’il les conserve. C’est de là qu’est née la collection « Procréart ». Après une grande exposition rétrospective en 2018 au CC Het Gasthuis, la collection a été intégrée au Musée Dr. Guislain de Gand.

Windekind – Leen Lybeer. un rouleau de plomb dans lequel le texte de Windekind se trouve comme une histoire cachée

Leen Lybeer a réalisé un podium en terre végétale. Symbole de l’hospitalité inspirante qu’ils ont offerte ensemble pendant 10 ans.

Un certain solstice d’été

Un pilier vertical dans le paysage horizontal. Un indicateur comme un intrus, lien entre la terre et le ciel. 15 mètres de haut. Presque invisible par temps couvert. Étincelant par temps clair et ensoleillé.

Un premier solstice d’été a été placé à Speelhoven en 2006 à l’occasion du 10e Speelhoven, une exposition annuelle où des artistes présentaient leur travail dans le paysage.

Vincent Halflants a conçu Un certain solstice d’été. Comme un souvenir durable de la présence, pendant 10 ans, de tant d’artistes.

Un lien est tissé, la boucle est bouclée,

Pendant des siècles, Schoonhoven et Speelhoven ont été liés. La plus ancienne famille noble, qui habitait le premier château de Schoonhoven, possédait le vaste domaine, la ferme et les terres de Speelhoven comme leur prétendue maison de campagne. La ferme qui les approvisionnait en viande, légumes et fruits. L’actuel domaine récréatif appartenait auparavant au château de Schoonhoven et en a été détaché au XXe siècle. La plus ancienne histoire de Schoonhoven et de Speelhoven remonte au XIVe siècle. L’actuel château de Schoonhoven comme l’habitation principale de Speelhoven datent du XVIIIe siècle.

Un certain solstice d’été III établit un lien silencieux entre les deux domaines. Plus qu’un monument, c’est une modeste œuvre d’art, un signe. Un point de repos. Une sorte d’hypnose, comme Vincent Halflants le dit lui-même.

Un certain solstice d’été III a été réalisé par l’artiste métallier Filip Van Daele de Metalmorphosa. Metalmorphosa, à Langdorp, réalise des créations uniques en métal, avec une spécialisation dans l’acier corten. Savoir-faire exceptionnel et art vont de pair.

metalmorphosa.be

Avec nos remerciements à Josée Lehon, historienne de l’art, pour la réalisation de cette rubrique consacrée à Leen Lybeer et Vincent Halflants.

Quelque part en chemin – Pochette de CD

Johan Dockx habite Langdorp depuis des années. Son talent, son sens de l’esthétique, ses différentes techniques et la manière magistrale dont il sait traduire un concept en illustration lui ont valu, en juin 2024, le Prix du Conseil culturel.

Chers invités, chers amateurs d’art, 

Cher Johan, 

Au nom de l’ACR, je vous souhaite la bienvenue à l’inauguration festive de l’exposition de Johan Dockx « elke dag een nieuwe nacht » (chaque jour une nouvelle nuit). 

Chaque année, l’ACR décerne un prix à un artiste lié d’une manière ou d’une autre à notre ville. Cette année, nous n’avons pas choisi le moindre. Johan Dockx est graphiste, illustrateur et ancien directeur artistique du journal De Standaard. Il a vécu une petite dizaine d’années à Aarschot avant de s’installer définitivement à Langdorp. Son talent indéniable, son sens de l’esthétique, les différentes techniques qu’il emploie et la manière magistrale dont il sait traduire un concept en illustration font qu’il reçoit ce prix de l’ACR.

Dessiner et lire, c’est la vie pour Johan Dockx. En tant que lectrice assidue de De Standaard, je connais et j’aime son travail. Ses dessins d’humains et d’animaux, de la nature avec sa faune et sa flore, ses illustrations des choses du quotidien sont magnifiques, et il y a encore les captivants portraits d’écrivains qu’il dessine pour DSL.

Quand je l’ai rencontré pour la première fois – tout de noir vêtu – j’ai eu un sentiment fin-de-siècle. J’avais devant moi quelqu’un d’élégant, de courtois, un esthète qui cohérait avec bon nombre des portraits d’écrivains qui lui tiennent à cœur, comme Pessoa, Baudelaire, Kafka, Rilke, Connie Palmen, Harry Mulisch, Jeroen Brouwers. J’en retiens un tout à fait au hasard : le portrait de l’écrivaine Katherine Mansfield, née en 1888. Elle compte parmi les maîtres de la nouvelle (Puur geluk). C’était une écrivaine bisexuelle néo-zélandaise qui avait émigré en Angleterre et qui était très malade : elle souffrait de tuberculose. Et elle souffrait de la séparation d’avec son mari, John M. Murry, qu’elle adorait. Elle trouva la stabilité auprès d’Ida Baker, sa « femme ». Même lorsque sa maladie était à son comble, elle continua d’écrire. Elle mourut à 34 ans et, dans les cercles de Bloomsbury qu’elle fréquentait, le bruit courait qu’elle avait « un visage comme un masque », que sa vraie nature serait insaisissable… Eh bien, cela n’entre en tout cas pas dans le portrait que Johan Dockx a fait d’elle. Son frêle visage encadré d’une coupe au carré capte toute la lumière venant de la droite. On est aspiré vers ses yeux : ils ne transpercent pas, ils ne se moquent pas. La manière dont elle vous regarde ne vous lâche pas. Il y a tant à lire dans son regard. 

Il va donc de soi que l’ACR (la commission d’achat d’art) ait choisi sa magnifique série de 16 portraits littéraires, qui trouvera une belle place dans notre bibliothèque. Sa collègue Karen Wijckmans dit à ce propos : « On dirait un jeu d’enfant, spontané, et donc d’autant plus fort. Rien ne grince dans ses portraits. Tout est juste dans l’univers singulier que Johan crée. Et pourtant chaque portrait fait honneur à l’auteur. Chaque portrait reflète la personnalité de l’auteur. » 

Johan Dockx est aussi généreux. Il a senti combien nous aimions ses dessins. Il nous a permis de choisir encore 5 œuvres supplémentaires pour notre ville. Vous pouvez toutes les admirer ici : une dame au chapeau, une dame en oiseau de proie, un portrait de la diva d’opéra Maria Callas, un de Léopold II, roi des Belges, et le portrait d’écrivain de Franz Kafka, qui fit s’éveiller Gregor Samsa en scarabée. Il faut toutefois faire attention : rien n’est montré « comme ça », tout a un sens. Il faut parfois quelques secondes avant que le sens ne se révèle. Et c’est ce qui rend ses illustrations si captivantes. Le spectateur qui prend la peine de s’arrêter devant ses dessins fait lui-même un petit voyage intérieur. 

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Car en effet, pour tenter d’atteindre l’essence de Johan Dockx, il faut bien regarder son travail. Un travail qui connaît de nombreux styles : des collages aux magnifiques portraits et dessins d’animaux au crayon et à la plume, jusqu’aux techniques mixtes. Dans très nombre de ses œuvres se rencontrent crayon, fusain, bic, encre de Chine, photos, scans, voire taches de café. 

Son collègue à DS, Astrid Houthuys, affirme : « Qui veut en savoir plus sur Johan Dockx doit être rusé. Tel un artiste de la disparition, il va et vient comme le flux et le reflux. De jour, ce Dockx est un homme ; au clair de lune, il devient corbeau. Sans repos. Millénaire. (Mais qui le connaît sait : il ne lâche jamais prise. Il n’abandonne personne.) Un Dockx travaille dur, de préférence la nuit. » Je peux le confirmer. Moi-même, dans la période précédant le montage de cette exposition, je pouvais m’attendre à recevoir des mails de Johan « une fois le crépuscule tombé » ou, je cite : « Je vous envoie plus d’explications cette nuit ». Le titre de son exposition personnelle en dit donc long : « elke dag een nieuwe nacht ». Que le travail acharné soit son credo, il l’a laissé échapper lors d’une autre rencontre, lorsqu’il a évoqué son auteur favori R.M. Rilke, qui demanda au sculpteur Rodin : « Comment faut-il vivre ? » Ce à quoi celui-ci répondit : « En travaillant. » Des dizaines, des centaines, peut-être mille fois, Johan s’est tenu devant une feuille vide pour dessiner de la main gauche ou faire d’un concept des illustrations. Pour cette exposition, il a donc sélectionné une riche quantité de son travail. 

Où trouve-t-il chaque fois l’inspiration ? Là où nous employons le mot inspiration, Johan parle de « douce insufflation », le produit d’un travail acharné et d’un dévouement. 

Pour le journal, Johan illustre les chroniques du homme de théâtre Josse De Pauw et, récemment, aussi celles de Maj Vandergeten. Le hasard veut que Maj ait commencé sa carrière comme factotum au service rédaction de DS, où elle a ensuite gravi les échelons. Aujourd’hui, tant d’années plus tard, elle a dû, à un âge encore assez jeune, entrer dans une maison de repos et de soins limbourgeoise en raison de la maladie d’Alzheimer de son mari, qui progresse rapidement, et de sa propre maladie de Parkinson. En octobre dernier, Josée Lehon a publié son beau recueil de poèmes « Vier met mij, dans met mij », après quoi Maj a accepté la proposition d’écrire une chronique bimensuelle dans DS. Pour chacune de ses chroniques, Johan a fait un dessin. Ce n’est pas un simple dessin, mais une interprétation sensible de ce qu’écrit Maj, avec à chaque fois une ou des mains au centre. Selon les connaisseurs, dessiner ou peindre des mains est très difficile. Johan Dockx y fait preuve de sa maîtrise. Nous sommes donc très heureux de pouvoir vous montrer aujourd’hui ces illustrations émouvantes en avant-première.  

Chers amis, il ne me reste plus qu’à féliciter Johan Dockx pour cette expo et pour son prix de l’ACR. Je souhaite également remercier la ville d’Aarschot, toute l’équipe du musée et tous les collaborateurs du CC Het Gasthuis, et en particulier Roeland Holemans. Je vous invite à accepter des deux mains mon invitation à « lire » l’œuvre de Johan Dockx, une œuvre qui va à l’essence de notre existence. 

Agnes Hendrickx 

Présidente du Conseil culturel d’Aarschot 

… Puis-je l’appeler le Nestor de nos artistes ? Ce n’est pas très exact, car je ne connais pas d’âme plus jeune, de garçon plus enjoué, de caractère plus exubérant. Et pourtant, ses figures, qu’elles soient modelées ou dessinées, se tiennent avec tout leur petit être dans la Vraie Vie ! Elles nous tendent un miroir. Nos échecs et nos réussites, nos audaces et nos hésitations, nos tergiversations, notre honte, notre témérité, nos bonds, nos chutes et nos redressements. Ce sommes nous ; l’Humain, qui se tient là dans notre PURETÉ. Et même coulés dans le bronze, nous restons tendres et mous comme la cire que nous étions, pétris entre ses mains. … – Josée Lehon, historienne de l’art

Jan Rosseels réalise des sculptures en cire, qui sont ensuite coulées en bronze. Elles ont souvent pour thème un instant de la vie quotidienne. Les figures sont tordues entre des bras beaucoup trop longs et de grandes mains. C’est peut-être une traduction de la nature complexe de l’être humain. source : kunstroute Hageland

Il a été sélectionné pour l’exposition Jeunes sculpteurs belges, Bruxelles 1974. Jan Rosseels expose constamment en Belgique et à l’étranger (Aarschot, Louvain, Anvers, Bruxelles, Paris, Düsseldorf, Francfort,…).

En 1987, il est devenu lauréat de sculpture, Anvers.

Jan Rosseels dans son atelier
Hulst, 57
3272 Testelt
tél. 013/ 77 61 09

… Puis-je l’appeler le Nestor de nos artistes ? Ce n’est pas très exact, car je ne connais pas d’âme plus jeune, de garçon plus enjoué, de caractère plus exubérant. Et pourtant, ses figures, qu’elles soient modelées ou dessinées, se tiennent avec tout leur petit être dans la Vraie Vie ! Elles nous tendent un miroir. Nos échecs et nos réussites, nos audaces et nos hésitations, nos tergiversations, notre honte, notre témérité, nos bonds, nos chutes et nos redressements. Ce sommes nous ; l’Humain, qui se tient là dans notre PURETÉ. Et même coulés dans le bronze, nous restons tendres et mous comme la cire que nous étions, pétris entre ses mains. … – Josée Lehon, historienne de l’art

Kamerood sesteg

Cette statue en bronze du Kamerood Sesteg a été réalisée par Jan Rosseels à la demande des « hommes de 60 », qui l’ont offerte à la ville de Louvain. Elle se dresse dans le parc Saint-Donat de Louvain. Elle a été inaugurée le 10 septembre 2000.

Elle renvoie à la notion louvaniste de « kamerood sesteg », dont personne ne connaît plus le sens exact. On dit souvent qu’elle remonte à la vie des compagnies de tir du Moyen Âge. Les compagnies de tireurs ne pouvaient compter que 60 membres au maximum. Chaque fois qu’un membre décédait, un « bleuke » (novice) pouvait entrer dans la guilde : le 60e membre, ou le kamerood 60 donc. L’expression est encore utilisée pour désigner un nouveau venu avec une sympathie condescendante.

La notion a été reprise avec enthousiasme par les Hommes de ’60 de Louvain. Ceux-ci ont chargé Jan Rosseels de lui consacrer une statue. Ils l’ont offerte à la ville en 2000, lorsqu’ils ont tous eu 40 ans. Le créateur a fait déborder la statue de symbolisme avec un homme éternellement jeune plein de joie de vivre. Le doigt sur le nez désigne un petit malin. Le globe terrestre à ses pieds symbolise l’illusion, le bébé la vie nouvelle, l’escargot la lente progression vers la vieillesse et l’homme plus mûr avec un bouquet de fleurs l’envie de « volontiers faire la fête ». (source : leuven.be)

La joie de la jeunesse
La statue représente un enfant qui joue, un ballon à la main. Un musée tend un miroir au visiteur. Il y regarde le passé, mais il établit aussi un lien avec le présent et l’avenir. Le bâtiment fut jadis une maternité. De nombreux Aarschottois y sont nés, et l’artiste Jan Rosseels y a lui aussi vu le jour.
Comme le musée rénové, la statue paraît jeune et juvénile. L’enfant aussi a encore tout un avenir devant lui. Le ballon renvoie à la fugacité des choses. Il faut oser le lâcher, le laisser s’envoler vers une destination inconnue. Sa jeunesse aussi, il faut pouvoir la lâcher, sans l’oublier.

Le Conseil culturel d’Aarschot décerne chaque année un prix à un artiste lié d’une manière ou d’une autre à la ville. En 2021, le sculpteur Jan Rosseels reçoit ce prix pour l’ensemble de son œuvre.

https://maartenceulemans.be