Aquarell

Abschlussarbeit, Sint-Lukas-Akademie Brüssel (1953)

Die keltische Mythologie (Oisín und Niamh): In der irischen Sage reitet die Feenprinzessin Niamh auf einem magischen weißen Pferd über das Meer, um den Krieger Oisín (der oft mit einem schwarzen Pferd oder dunkler Kleidung in Verbindung gebracht wird) ins Land der ewigen Jugend (Tír na nÓg) mitzunehmen. Musik und Flötenspiel spielen in keltischen Welten oft eine bezaubernde Rolle.

Arthur Ryckmans (1953)

Aquarell

Ein schwarzer Wolf, der wie ein Zirkusclown tanzt ist ein surrealistisches Bild, das zu einer Fantasygeschichte oder einem Animationsfilm passt. Es verbindet die geheimnisvolle, wilde Natur des Wolfs mit den fröhlichen und theatralischen Bewegungen eines Clowns. Der Wolf hat ein rabenschwarzes Fell, das ihm normalerweise ein gefährliches Aussehen verleiht. Über seinem Fell trägt er typische Zirkusattribute. Die viel zu große Halskrause um seinen Hals und ein Partyhütchen. Statt eines wilden Blicks hat der Wolf ein breites, ein wenig tölpelhaftes Lächeln, als genieße er den Applaus.

Aquarell

Aquarell

Aquarell

Aquarell

Aquarell

Aquarell

Aquarell

Aquarell

Aquarell

Aquarell

Aarschot

Öl auf Leinwand  80 x 140cm

In diesem großen Werk in Sepiatönen, ein wenig wie auf einem alten Foto, bringt er wichtige Monumente von Aarschot zusammen. Dass Edward Moons Aarschot liebte, steht außer Frage. Was ihn nicht davon abhielt, kritisch auf das zu schauen, was geschah, und über das zu schimpfen, was ihm missfiel.

Große Natursteinblöcke bei Renier in Aarschot

Öl auf Leinwand  94 x 179 cm

„Arbeiten in einem Büro bringt von Zeit zu Zeit Stress mit sich. Das war und ist bei NV Renier natuursteen nicht anders. Viele Angebote zu erstellen und glücklicherweise auch viele Bestellungen zu notieren ist schön, aber den Naturstein gemäß Auftrag fertigzustellen und die vereinbarte Lieferzeit einzuhalten bringt oft viele Spannungen mit sich.
Es half mir enorm, in unserem Büro viele Kunstwerke um mich zu haben. Alles verteilt über alle Büros, Flure und Ausstellungsräume. Jedes Kunstwerk verlangt Reflexion, Nachdenken und Interpretieren. Das gab mir, und hoffentlich auch allen unseren Mitarbeitern, Ruhe. Es zog auch die Aufmerksamkeit unserer Besucher auf sich, etwas Unerwartetes. Kunst steht in scharfem Kontrast zur alltäglichen Wirklichkeit, und genau darum geht es mir. Kunst hat die Kraft, jemanden auf einen anderen Fuß zu stellen.
Kunst muss nicht unbedingt „schon“ sein. Aber jedes Werk muss den Betrachter ansprechen, berühren. Es muss eine Geschichte dahinterstecken. Die Seele des Künstlers muss wahrnehmbar sein.
Für mich war es auch wichtig, den Künstler persönlich zu kennen. Ich machte es mir zur Ehrensache, vor allem Aarschoter Künstler zu wählen.
So kam Warre Moons ins Bild. Warre hatte von seinem Atelier aus Sicht auf unseren Vorrat an Natursteinblöcken. Die Stapelung dieses schweren Materials, noch in rauer Blockform, wie es im Steinbruch abgebaut wurde, inspirierte Warre. Er malte mehrere Werke zu diesem Thema. Es wurden keine Stillleben von Blöcken, keine Landschaftsszenen, sondern eine ganz eigene Interpretation und Sicht darauf. Und das entspricht perfekt seinem Zweck, den Betrachter (und vor allem mich) zum Nachdenken zu bringen, auf das falsche (andere) Bein zu stellen.
Die Aquamarin- und Türisfarben faszinierten mich. Sie brachten die Natur noch näher an die gestapelten Blöcke.
Danke, Warre! Das Gemälde passt perfekt in unser Büro und erfüllt sicher seinen Zweck, von Zeit zu Zeit Ruhe zu bringen.“ – Ir François Renier

Meetshoven, 2012ein 57 ha großes Naturgebiet in Aarschot

Öl auf Leinwand 60 x 50 cm 

Öl auf Leinwand

Öl auf Leinwand  99 x 120 cm 

Öl auf Leinwand  79 x 89 cm

Segelboot, 1971

Öl auf Leinwand  58,5 x 38,5 cm 

Euphorie, anlässlich der Geburt von Griet.

Öl auf Leinwand  69,5 x 60 cm

Videomacher: Rik Terlyn, Kunstkoppen ist ein Projekt des CC Het Gasthuis und IGCS. Gesprochen von Griet Moons, der Tochter von Edward.

„Papa war einzigartig. Das Paar, das Mama und Papa waren, war ebenfalls einzigartig.“ – Griet Moons

„Er lebte für die Kunst und hatte die Kunst zu leben. Ich kenne niemanden, der so eine Leidenschaft für Kunst und alles, was damit zu tun hat, hatte.“ – Lief Moons Holemans

Kurz nach seiner Heirat mit Lief schuf Edward dieses Stillleben an der Akademie. Es wurde sein erstes Werk in ihrem Wohnzimmer, 1970

Öl auf Leinwand  53  x 72 cm  

Stillleben

Öl auf Leinwand  78 x 69,5 cm

Stillleben

Öl auf Leinwand  78 x 69,5 cm

Céline Moons Schellens (1905-1998), die Mutter von Edward

Öl auf Leinwand

Edwards Vater hieß Gaston Moons. Er war Bahnhofsvorsteher in Aarschot. Céline war Hausfrau und ein goldener Mensch. Das Paar wohnte an der Gijmelsesteenweg und hatte sechs Kinder.

Abstraktes Gemälde

Öl auf Leinwand  80 x 89 cm

„Edward Moons ist völlig er selbst. Ein Mann, der, obwohl von Natur aus frohsinnig, stets zu dramatischen Situationen neigt, ihnen aber immer einen Ausweg der Hoffnung zu geben weiß. Vielleicht ist dies die reinste Symbolik des cor irrequietum, des Menschenherzens, das unruhig ist, um das Gute, das Schöne, das Wahre.“ – Clem De Ridder flämischer Komponist und Schriftsteller

Abstraktes Gemälde

Öl auf Leinwand  70 x 50 cm 

Abstraktes Gemälde

Öl auf Leinwand  78,5 x 89 cm

Abstraktes Gemälde

Öl auf Leinwand

“Io considero il quadro uno sguardo veloce sulla realtà.  Una lampadina che si accende e poi si spegne.”  – Pietro Lista

Abstraktes Gemälde

Öl auf Leinwand  54,5 x 75 cm  (1976)

Öl auf Leinwand  99 x 130 cm

Öl auf Leinwand  79,5 x 90 cm

Abstraktes Gemälde

Öl auf Leinwand

„… Mit einem Gewirr dünner Linien setzt er mit schnellen, treffsicheren Pinselstrichen Farbe auf die Leinwand. Dünn aufgestrichen oder in dicken Pinselstrichen, unendlich reich an rostbraunen, oft dunklen Tönen. Ölfarbe eignet sich auf so vielfältige Weise für breit deckende Schichten, der Pinselstrich wie Aquarell, sehr stark verdünnt in feinen Schichten, streichelweich aufgestrichen. Kaum Farbe, fast durchsichtig. So verschwinden Gesichter manchmal fast im dunklen Hintergrund. Als verschwände die Person bescheiden fast in der Umgebung.“ – Josée Lehon Kunsthistorikerin

Pater Damian, 2014 

Öl auf Leinwand  70 x 60 cm 

Öl auf Leinwand  50 x 64 cm

Selbstporträt

Öl auf Leinwand

ohne Titel

Öl auf Leinwand  99 x 80 cm

Untergehende Sonne und Sträucher, 2012

Öl auf Leinwand  50 x 60 cm 

Lagune – Cabanas in Portugal, 2012

Öl auf Leinwand  70 x 60 cm 

Lagune, Cabanas, 2014

Öl auf Leinwand  70 x 60 cm 

Edward Moons und seine Ehefrau Lief Holemans lernten das portugiesische Cabanas um 1980 durch Freunde kennen. Sie sahen, wie sich das alte, einfache Fischerdorf entwickelte, aber der Ort verlor nie seine Authentizität. Das Paar blieb dem Urlaubsort treu. Für Edward Moons die ideale Landschaft schlechthin. Oder natürlich der Blick aufs Meer. In mehr als 800 Aquarellen hielt er den einzigartigen Ort fest. Mit der Genauigkeit des Miniaturmalers ist jedes Werk aufgebaut. Der Blick, über Land oder Meer, in Ebenen gefasst, sodass jedes Werk, so klein es auch ist, uns die unendliche Tiefe in klaren Tönen zeigt. Tiefes Blau mit einer Fülle feiner Nuancen. Neben einem guten Auge verlangt Aquarell große Sachkenntnis. Moons erweist sich auch hier wieder als Meister dieser schwierigen Disziplin.

Lagune, Cabanas, 2017

Öl auf Leinwand  60 x 60 cm 

Lagune, Cabanas, 1991

Öl auf Leinwand  150 x 100 cm 

Raumfiguren, 1988Beinahe identisch bewegen sie sich zwischen Planeten, auf der Flucht in eine andere Welt in unserem Sonnensystem.
Alles geschieht in farbenfrohen, transparenten Farben. Harte, pessimistische Themen, aber mit dem Licht der Hoffnung in jedem Bild.

Öl auf Leinwand  65 x 65 cm 

Raumfiguren – Eroberer

Öl auf Leinwand  70 x 60 cm 

Raumfiguren – Geborgenheit,1990

Öl auf Leinwand  70 x 60 cm 

Raumfiguren, 1991

Öl auf Holztafel  70 x 60 cm

„Er sieht Menschen als Atome, als Staub, der zwischen Linien gepresst wird. Linien voller Schmerz in einer Welt voller Schmerz. Kleine Menschlein, ohne Volumen, beinahe identisch, wie man aus der Ferne auf die wimmelnde Masse auf der Erde blickt. Ward nimmt keine Rücksicht auf die Anatomie, zieht nur Konturlinien und füllt sie mit Farbe. Seine Menschen, seine Landschaften, seine Formen sind fertig und auch nicht fertig. Sie sind Teil eines beständigen Bewegungsprozesses. Sie sind das Leben selbst. Dieser Welt und jener anderen Welt will Moons Gestalt geben. Ward Moons’ Thema ist hart und scheint zunächst pessimistisch, aber wenn man weiter hinschaut, sieht man in jedem Bild das Licht, vielleicht Hoffnung?“ – Ina Stabergh Autorin, Stadtdichterin von Diest

Drei Brüder, 1999

Öl auf Leinwand  

Drei Brüder lassen im Jahr 1913 ein Foto machen. Der Fahrer Jozef Moons fiel 1914 in Ramskapelle. Joseph Moons, Sohn von Petrus Moons und Florentina Mertens. Geboren am 14. Juli 1893. „Gefallen auf dem Feld der Ehre bei Nieuwpoort am 23. Oktober 1914. Trauerfeier in der Liebfrauenkirche in Aarschot am Montag, 10. November 1919.“

„Von französischsprachigen Offizieren aufgehetzt, sich als Freiwilliger anwerben zu lassen. Fast keine Ausbildung und sofort an die Front geschickt, um dort ganz am Anfang des Krieges sehr schnell zu fallen für… das Vaterland. Jedes Jahr besuchen Lief und ich Ramskapelle (für mich ein Muss). Der Mann in der Mitte des Autochens ist Joseph und hinten mein Vater Gaston (Bruder von Joseph).“ – Edward Moons

Zwei Freunde, 2013

Öl auf Leinwand  60 x 70 cm 

Gestrüpp, 2017

Öl auf Leinwand  70 x 60 cm  

„Malen heißt, einen beständigen Kampf mit der umgebenden Welt, mit sich selbst und mit der Materie zu führen. Möge dieser Kampf nie ausgefochten sein, mögen die Herausforderungen bleiben, damit der geistige Aufstieg konstant bleiben kann in deinem Atelier, deiner einzigen vertrauten Welt.“ – Paul de Keulenaar Lehrer am Athenäum Aarschot und Dozent an der Europäischen Schule Brüssel

Untergehende Sonne, 2017

Öl auf Leinwand 70 x 60 cm 

Landschaft, 1975

Öl auf Leinwand  100 x 150 cm 

„Moons verfügt über eine außergewöhnliche Palette, die er auf künstlerisch verantwortungsvolle Weise zu nutzen weiß. Mit scheinbar ganz einfachen technischen Mitteln erzielt er farbenfrohe Werke, die in Wirklichkeit eine beruhigte Essenz sind und aus denen zugleich ein gezügelter Ausdruck strahlt.“ – Maurice Haccuria Kunstmaler, Bildhauer und Grafiker

Berge Islands, 2017

Öl auf Leinwand  90 x 80 cm 

Island, 2017

Öl auf Leinwand  90 x 80 cm 

Island, 2017

Öl auf Leinwand 80 x 90 cm 

Island, 2018

Öl auf Leinwand  50 x 40 cm 

Island, 2018

Öl auf Leinwand  60 x 70 cm

Gestrüpp, 2012

Öl auf Leinwand  60 x 50 cm 

Aufgehende Sonne, 2018

Öl auf Leinwand  70 x 50 cm 

Ferner Horizont, 2017

Öl auf Leinwand  70 x 60 cm

„Edward Moons war ein sensibler Mann. Er neigte manchmal zur Schwermut. Das äußerte sich in dunklen, sagen wir finsteren Werken. Dann wechselten sie sich wieder mit frischen, farbigen, figurativen Gemälden ab. Moons konnte wie kein anderer Landschaften, Gebäude und Porträts erfassen.“ – Jan Van der Borght Kunstsammler

“Fischerdorf in einer südlichen Landschaft, dargestellt in suggestiven Farben. Eine poetische Welt, die zum Nachdenken anregt (wäre ich nur dort).“ – Edward Moons

Öl auf Leinwand

Afrikanerin mit KindEine liebevolle Szene, die sich in einer harten Welt abspielt und dennoch voll im ewigen Licht steht.

Öl auf Leinwand

Es gibt ziemlich viele Selbstporträts von Edward Moons. Er malte sich von vorn und im Profil, mit verschiedenen Gesichtsausdrücken, schlicht, fröhlich oder ernst. Es sollte klar sein, dass er das nicht aus Eitelkeit tat. Das Thema eignete sich gut, um das Malen selbst zu erforschen. Die Locken seines Bartes, sein dünner werdendes Haar, der Ausdruck der Augen.

Porträt durch die Linse des Fotografen Berten

Studium:
Normalschule, höhere Kunstausbildung, monumentale Kunst, Malerei

Einige seiner Einzelausstellungen in Belgien:
Sint-Rochuskapelle in Aarschot (Kreuzweg)
die Abteikirche in Averbode (Kreuzweg)
Brüssel: Galerie ‘Astoria’ in Sint-Jacob-op-den-Coudenberg, Kulturzentrum Neder-Over-Heembeek

Aus seinen Einzelausstellungen im Ausland:
Lüdenscheid (Deutschland): Galerie ‘S’ Rathaus
Lüdenscheid: Pauluskirche (Kreuzweg)
Vevey (Schweiz): Galerie ‘Capricorne’
Tavira (Portugal): galerie di arte

Werk vertreten auf Wanderausstellungen:
Thema: Landschaft – ausgewählt in einer internationalen Gesellschaft im „Kulturzentrum von Brüssel“

Lehrer an der Städtischen Akademie für Bildende Künste in Aarschot.

Moderator und Zusammensteller des ‘Kunstbabbel’: 1989 begann der Kunstmaler Edward ‘Warre’ Moons mit dem Aarschotse Kunstbabbel. In all den Jahren empfing er einige Hundert, oft markante Persönlichkeiten aus der Welt der Kunst, Musik, des Sports, der Politik usw… .

Edward Moons erhielt dreimal den Toetenelprijs in Brüssel und erwarb den Bob-Courtens-Preis in Antwerpen.

Edward Moons erhielt 2001 den Preis des Aarschoter Kulturrats.

Plakat anlässlich einer Ausstellung in den Schaufenstern von Aarschot im Jahr 2019.

Mit Dank an André Matthijssens, Fotograf

Bahnlinie Aarschot

Zwanenstraat – Aarschot – Ein Händler kommt mit einem Handkarren vorbei. Er verkauft Milch literweise und schöpft mit einem Messbecher rohe Milch aus einer Tonne in den Kochtopf, den jeder nach draußen bringt. Also keine Verpackung!

Jan Symons, der Bruder von Frans

Maria Symons Van Tongelen (1928-2018)

Elzenhof

Deutsche Mutter und Tochter vor dem Orleansturm (um 1958)

Schattenkinder mit dem Ball

Rocco Granata – Witte Molen – Aarschot

Deutsche Freundin und Yvonne Van Tongelen, um 1958

Maria Symons Van Tongelen (1928-2018)

Roland Van Tongelen

An der Heide in Aarschot

Die Weltausstellung von 1958

Die Weltausstellung von 1958 – die Frau mit der schwarzen Handtasche ist Maria Symons Van Tongelen, Yvonne Coppens hat die weiße Handtasche

Expo 58

Deutsche Freundin und Maria Symons Van Tongelen

Cannes

Cannes

Cannes

Expo ’58 Kanadischer Pavillon

Walter Godefroot (°1943), genannt „Die Flandrische Bulldogge“

Licht, Luft, Wasser und Bewegung

100×120 cm

Acryl auf Leinwand

Mit dieser Werkreihe möchte Ben Van Dyck auf die Zerbrechlichkeit unserer Natur hinweisen.

Licht, Luft, Wasser und Bewegung

100 x 120 cm

Acryl auf Leinwand

Licht, Luft, Wasser und Bewegung

100×120 cm

Acryl auf Leinwand

Luft Wasser Leben

100×120 cm

Acryl auf Leinwand

Licht, Luft, Wasser und Bewegung

100×120 cm

Acryl auf Leinwand

Dieses Werk mit dem Frosch strahlt vor Leben und Bewegung.

Luft Wasser Leben

100×120 cm

Acryl auf Leinwand

Luft Wasser Leben

100×120 cm

Acryl auf Leinwand

Die hellen Farben, verschiedene Schattierungen von Gelb, Blau und Grün, laden den Betrachter ein, fröhlich zu werden. Ben Van Dyck gibt allerdings eine leichte Anklage mit, ohne den Prediger zu spielen. Er möchte auf die Zerbrechlichkeit unserer Natur hinweisen. Wir müssen vorsichtig und verantwortungsvoll mit unserer Umgebung umgehen. In dieser Gemäldeserie verwendet Ben Van Dyck zwei Hauptfarben, mit denen er spielen kann, um Licht, Luft und Leben zu erwecken. Und das zusammen bringt das Werk in Bewegung. In diesem Dekor malt Ben Van Dyck Tiere. Auch sie strahlen Kraft und Leben aus.

Luft Wasser Leben

100×140 cm

Acryl auf Leinwand

Nie wieder

90x90cm

Acryl auf Leinwand

Death Zoo

100x100cm

Acryl auf Leinwand

Dieses Werk stammt aus einer Reihe von zehn mit Themen aus Bens Kindheitserinnerungen, wie dem Zirkus, der Kirmes und dem Zoo… . Sie sehen aus wie fröhliche Suchbilder, bis man etwas genauer hinschaut. Dann zeigt sich, dass sie eine makabre „Dark Side“ haben.

Linolschnitt auf Metzgerpapier (1 von einer Serie von 4)

Sloths and Coffee

Acryl auf Leinwand

Schon von klein auf ist Ben Van Dyck (°1969-Aarschot) ein leidenschaftlicher Zeichner. 1986 gewinnt Ben als Kenner des besseren belgischen Comics den Marc-Sleen-Wettbewerb, und das beschert ihm eine Rolle als Comicheld in einer Nero-Geschichte. Seine Faszination für exotische Tiere hat er vom Comiczeichner Marc Sleen (1922-2016) aufgegriffen. In seinen Geschichten verarbeitete Marc Sleen die Tiere, denen er auf seinen Safarireisen mit König Leopold III. begegnete. Ben Van Dyck ist ein bekannter Flame dank der jahrelangen VRT-Dokumentarserie ‘Het Leven zoals het is’. Ben ist nicht zuletzt in der Fernsehserie des Reporters Arnaut Houven ‘Leve de Zoo!’, in ‘Blueberry Hill’ von Robbe De Hert und in ‘Het Sacrament’ von Hugo Claus zu sehen. Im Zoo von Antwerpen sorgt er unter anderem für den Ausbau des Reptiliengeheges. Im Zoo von Planckendael wird das Phänomen Ben Cheftierpfleger der Elefanten und anderer großer Säugetiere. Es versteht sich von selbst, dass die Tierwelt eine wichtige Inspirationsquelle für sein Werk wird. Sein malerisches Werk lässt sich in große, halbrealistische Arbeiten mit der Natur als Thema und in cartoonartige Gemälde in den immer wiederkehrenden Farben Schwarz, Weiß und Rot unterteilen. Ben studierte an den Kunsthumaniora in Aarschot und Lier und absolvierte danach eine Regieausbildung am RITCS. In seiner grenzenlosen Fantasie bildet sich der Riese Ben Van Dyck weiter an der Akademie für Schöne Künste. Dieser Lebenskünstler zeichnet, malt, schafft grafische Arbeiten, schreibt, spielt Figurentheater mit selbstgemachten Puppen aus Schaumgummi oder Gummilatex und hält Vorträge, unter anderem über den Nutzen des Zoos.

„Es gibt vier Dinge, die Menschen interessieren: andere Menschen, Tiere, Kinder und Elend.“ – Ben Van Dyck (Foto: David Legreve)

Ben Van Dyck in Aktion

Ben Van Dyck ist ein Greeter aus Aarschot

Neben Akademikern, die als Führer durch das herzogliche Aarschot führen, gibt es nicht professionelle Führer. Freiwillige, die ihre Lieblingsperlen des Hagelands zeigen. Sie nennen sich „Greeters“. Der leidenschaftliche Ben Van Dyck ist einer von ihnen.

Weitere Informationen und Reservierung: toerisme@aarschot.be

„Ich möchte den Menschen meine fantastische Stadt in einer fröhlichen, ungezwungenen, schönen Atmosphäre näherbringen, denn ich bin stolz auf meine Stadt.“ – Ben Van Dyck

Idriz Jossa schloss Ende der achtziger Jahre sein Studium an der Modeakademie in Antwerpen ab und wurde in dieser Zeit als Designer der „New Beat Fashion“ und seiner 2006 gefeierten Kollektion „Clochard de Luxe“ bekannt.

Seine 25-jährige Vergangenheit in der Modewelt ist in den Kunstwerken spürbar, die er präsentiert. Einerseits zeigt er dekonstruierte Schaufensterpuppen, die er nicht mit Kostümen, sondern wie Models einkleidet und die so einen treffenden Eindruck hinterlassen. Andererseits fertigt er 3D-gedruckte Modelle mit Accessoires, die den Betrachter durch das überraschende Spiel verschiedener Materialien in Erstaunen versetzen. Oft ist das Ergebnis ein leicht beunruhigender Zusammenhang von Gegensätzen. Eigentlich verbildlichen seine „provokativ-absurdistischen“ Skulpturen das Chaos und den Wahnsinn, die das Leben der letzten Jahre durch ihre Vielfalt, Verwirrung und rasende Geschwindigkeit bestimmen. Er sieht sie als eine Art Freiheitskämpfer für das, was wir in den vergangenen Jahren überlebt haben oder weiterhin erleben werden. In all ihrer Absurdität haben sie auch etwas Komisches und Ironisches. Die Modelle erzählen vom Menschsein, die strotzende Extraversion der Figuren zeigt auch ihre Verletzlichkeit. Zugleich sind sie als Gegengewicht zum Chaos gedacht und letztlich auch als Ausdruck von Sensibilität und Schönheit, denn er möchte sich trotz allem weiterhin einen Ästhet nennen.

Die Schwarz-Weiß-Fotos des Appartateliers stammen von Patrick Van Vlerken

Videomacher: Rik Terlyn, Kunstkoppen ist ein Projekt des CC Het Gasthuis und von IGCS. 

Vincent Halflants & Leen Lybeer
Es sollte Sie nicht wundern, wenn Sie das Künstlerpaar Leen Lybeer und Vincent Halflants (noch) nicht kennen. Anders als viele, oft jüngere Künstler sind sie in der lokalen Kunstszene kaum oder gar nicht in Erscheinung getreten. Ihr Lebenswerk befindet sich auf Speelhoven, dem ältesten Wohnhaus von Aarschot, geschützt in einem Naturgebiet am Stadtrand in Richtung Rillaar. In den letzten Jahren sind sie nach SPEELHOVEN etwas aus dem Schatten geholt worden. Bis 2006 veranstalteten sie unter diesem Namen zehn Jahre lang jeweils im September eine besondere Kunstbegegnung auf ihrem Anwesen. Mit GASTHOVEN nahm das Kulturzentrum Het Gasthuis in Aarschot den Faden auf und brachte aufsehenerregende Ausstellungen.

Leen Lybeer und Vincent Halflants durch die Linse von Jef van Eynde

Eine relative Unbekanntheit, so ist das bei dem Künstlerpaar. Und doch sehen die anderen Künstler Vincent Halflants als ihren Mentor. Der verstorbene Roland Rens, der in Aarschot allgegenwärtig ist, besuchte sehr oft das Atelier von Halflants und drängte auf Anerkennung. Noch dies: Vincent Halflants arbeitete jahrelang in den psychiatrischen Einrichtungen von Tienen und Diest. Werke, die Patienten ihm überließen, bündelte er unter dem Namen Procréart, der Sammlung, die er 2018 dem Dr.-Guislain-Museum in Gent schenkte.

Speelhoven.
Bei der Anerkennung von Speelhoven als historisches Erbe erhielt Halflants eine kleine Subvention für die Restaurierung. Als Gegenleistung entschieden sie sich, das Anwesen 10 Jahre lang, von 1997 bis 2006, jedes Jahr einige Wochen für Künstler und Publikum zu öffnen. Viele der daran beteiligten Künstler sind inzwischen große Namen in der Kunstwelt geworden. Man denke an Hans Op de Beeck, Berlinde de Bruyckere, Freek Wambacq (und viele andere Künstler).
Weil die Umgebung überwältigend grün ist, entschieden sich zahlreiche Künstler für einen Eingriff in die Landschaft. Manche schufen temporäre Konstruktionen, mit denen die Elemente spielten und die in Fotos, Filmen und Zeichnungen festgehalten wurden. Das Echo war groß, auch international. Nach der Reihe von 10 Veranstaltungen nahm das Kulturzentrum Het Gasthuis mit „Gasthoven“ den Faden auf. Die heutige Blüte des Kulturlebens in Aarschot hat hiermit durchaus zu tun.

Leen Lybeer (1937-2024)

Erster Preis der Provinz Brabant (1966)
Prix Jeune Peinture Belge (1977)

Installation mit handgefärbten Zöpfen aus Flachsfasern

Das frühe Werk von Leen Lybeer fügt sich nahtlos in die Textilkunst der frühen 1960er Jahre ein. Mit selbstgefärbter Wolle, Hanf oder Baumwolle webt Lybeer in Haute- und Basse-Lisse. Ursprünglich wählt Lybeer monumentale Formate bei Wandteppichen und Bettdecken. Ihre Kaseln passen in die erneuerte Liturgie, die die katholische Kirche nach dem Konzil wählt. Diese angewandte Kunst ist nur ein kurzer Anlauf. Sehr schnell schafft Lybeer Installationen mit Textilien. Die verwendeten Materialien entwickeln sich zu einem breiteren Spektrum mit Metalldrähten und organischen Fasern wie Gras, Erde, Asche usw.
Ihr Werk wird straffer, strenger und konzeptueller. In Maquetten konzipiert Lybeer räumliche Arbeiten. Einige Entwürfe werden auch in großem Maßstab in der Landschaft realisiert.

Rahmen um künstlichen Hügel, 1997 geschnittenes, getrocknetes und gedämpftes Gras, Bratislava

Selbstporträt Leen Lybeer, 1979

geometrisch abstraktes Werk mit Asche auf Glas

Vincent Halflants (1934-2026)

Das Werk von Vincent Halflants besteht zum größten Teil aus Bleistift- und Kohlezeichnungen, Aquarellen, Keramik und monumentalen Skulpturen, Assemblagen aus verschiedenen Materialien. Neben geometrisch abstrakten räumlichen Kompositionen ist es vor allem der Mensch, der jeweils als Thema präsent ist. Nicht die menschliche Gestalt in akademisch gezeichneter Perfektion oder als Porträt, sondern der verletzliche, fast nichtige Mensch, gestellt in seine sehr weite historische Perspektive. In Raum und Zeit. Halflants nahm oft an Gruppenausstellungen teil, unter anderem im Palais des Beaux-Arts in Brüssel, und führte Performances auf, unter anderem im Beursschouwburg. Er erhielt unter anderem den Prix Jeune Sculpture Belge.

Der Mann und sein Schatten, 2006 – Bronze und Corten-Stahl
Erst 2006 kam ein Werk von Vincent Halflants in den öffentlichen Raum von Aarschot. Der Mann und sein Schatten erhielt einen Platz in der Kleine Bergstraat in der Grecht. Vincent war damals 72 Jahre alt.

Der Mann und sein Schatten steht nicht zufällig an diesem Ort. Als Kind fuhr Vincent Halflants mit dem Fahrrad von Lubbeek nach Aarschot. Auf diesem damals noch unbebauten Hügel ruhte er sich aus, weil er von dort einen herrlichen Blick auf die Liebfrauenkirche hatte.

Hydroliques, Glasierter und unglasierter, gebrannter Ton.

Ganze Serien spielerischer Rohrkonstruktionen erzählen Geschichten über Verbindungen in der Wüste. Verknüpfungen zwischen vorgeschichtlichen und z. B. der römischen Zivilisation.

Das Leichentuch, 2008

monumentale Skulptur. Stahl und Blei. (0,70 x 3,60 x 0,70 m.)

Das Leichentuch steht für den Tod, nicht nur Christi, sondern von uns allen. Der Kern des christlichen Glaubens. Durch seinen Tod zeigt sich Gott in Christus als sterblicher Mensch. Zugleich aber bringt er Hoffnung auf Auferstehung und ewiges Leben.

Das Werk von Vincent Halflants ist zugleich traditionell durch die universell christliche Bedeutung und zeitgenössisch durch die nüchterne Einfachheit und Abstraktion. Das Blei übersetzt das Gewicht des Todes. Und doch hat es mit seinen bescheidenen, sanften Grau- und Blautönen eine gewisse Leichtigkeit, durch die es die Schwere übersteigt. Von allen Begräbnisdarstellungen ist das Leichentuch die intimste. Die persönlichste. Der Stoff umhüllt und verhüllt den Körper des Verstorbenen, verbirgt ihn und zeigt ihn zugleich. Das Leichentuch verweist auf den Kreuzestod und die Grablegung Christi. Das Grab wurde am dritten Tag leer vorgefunden. Das Leichentuch blieb als stiller Zeuge und als einziger greifbarer Gegenstand, zusammen mit dem Kreuz, und wurde zur Reliquie.

Zugleich ist das Leichentuch die einfachste, bescheidenste und ökologischste Art, den verstorbenen Körper zu überführen. Leider sehen wir das Leichentuch, das Opfer von Kriegen und Katastrophen umhüllt, oft in den Nachrichten beim dramatischen Abschied von Angehörigen.

Der Mann auf dem Sockel, Aquarell von Vincent Halflants

Procréart.

Vincent Halflants war viele Jahre in den psychiatrischen Einrichtungen in Diest und Tienen tätig. Die Ärzte entschieden sich bewusst für alternative Therapien, bei denen sich der Patient frei äußern konnte. Dabei wurde bewusst der Künstler statt des Therapeuten gewählt.

Halflants entschied sich für ein offenes Atelier, in dem die „Schüler“ frei ein- und ausgingen, um dort zu arbeiten, wann sie wollten. Auch außerhalb der regulären Zeiten. Eine Freiheit, die mit dem Kommen neuer Psychiater endete.

Halflants gab Themen vor, ging von der Kunstgeschichte aus, wies den Weg in den Techniken. Statt wirklich etwas aufzuerlegen, ließ er die Kursteilnehmer frei. So gewann er viel Vertrauen. Viele betrachteten Vincent als Freund. In Briefen, Gedichten und Geschichten erzählten sie von ihren Ängsten, ihren Erlebnissen. Von der Schuld, die lastete, von „Fehlern“, die sie gemacht hatten, von Beziehungen zu Mitbewohnern. Allmählich zeigte sich, dass ihre Zeichen- und Maltechnik, ihr räumliches Verständnis und ihre räumlichen Arbeiten sich zu einer weniger chaotischen Form entwickelten. Gefestigter.

Viele vertrauten Halflants ihre Werke an, damit er sie aufbewahren konnte. Daraus entstand die Sammlung „Procréart“. Nach einer großen Übersichtsausstellung 2018 im CC Het Gasthuis wurde die Sammlung in das Museum Dr. Guislain in Gent aufgenommen.

Windekind – Leen Lybeer. eine Bleirolle, in der der Text von Windekind wie eine verborgene Geschichte steckt

Leen Lybeer schuf ein Podium aus Mutterboden. Symbol der inspirierenden Gastfreundschaft, die sie gemeinsam 10 Jahre lang schenkten.

Eine gewisse Sommersonnenwende

Ein vertikaler Pfeiler in der horizontalen Landschaft. Ein Zeiger wie ein Eindringling, Verbindung zwischen Erde und Himmel. 15 Meter hoch. Bei bewölktem Wetter kaum sichtbar. Glänzend bei klarem, sonnigem Wetter.

Eine erste Sommersonnenwende wurde 2006 anlässlich des 10. Speelhoven auf Speelhoven aufgestellt, einer jährlichen Ausstellung, bei der Künstler ihre Werke in der Landschaft zeigten.

Vincent Halflants entwarf Eine gewisse Sommersonnenwende. Als bleibende Erinnerung an die Anwesenheit so vieler Künstler während 10 Jahren.

Eine Verbindung ist hergestellt, der Kreis ist geschlossen,

Jahrhundertelang waren Schoonhoven und Speelhoven verbunden. Die älteste adlige Familie, die das früheste Schloss von Schoonhoven bewohnte, besaß das weitläufige Anwesen, den Hof und die Ländereien von Speelhoven als ihren sogenannten Landsitz. Der Hof, der sie mit Fleisch, Gemüse und Obst versorgte. Das heutige Erholungsgebiet gehörte zuvor zum Schloss von Schoonhoven und wurde im 20. Jahrhundert davon abgetrennt. Die frühesten Anfänge von Schoonhoven und Speelhoven reichen bis ins 14. Jahrhundert zurück. Sowohl das heutige Schloss von Schoonhoven als auch das Haupthaus von Speelhoven stammen aus dem 18. Jahrhundert.

Eine gewisse Sommersonnenwende III schafft eine stille Verbindung zwischen den beiden Anwesen. Eher als bescheidenes Kunstwerk denn als Monument ist es ein Zeichen. Ein Ruhepunkt. Eine Art Hypnose, wie Vincent Halflants es selbst nennt.

Eine gewisse Sommersonnenwende III wurde vom Metallkünstler Filip Van Daele von Metalmorphosa realisiert. Metalmorphosa aus Langdorp verwirklicht einzigartige Entwürfe in Metall mit Spezialisierung auf Cortenstahl. Einzigartiges Handwerk und Kunst gehen Hand in Hand.

metalmorphosa.be

Mit Dank an Josée Lehon, Kunsthistorikerin, für die Realisierung dieser Rubrik über Leen Lybeer und Vincent Halflants.

Irgendwo unterwegs – Art-Work CD

Johan Dockx wohnt seit Jahren in Langdorp. Sein Talent, sein Sinn für Ästhetik, seine verschiedenen Techniken und die meisterhafte Art, wie er ein Konzept in eine Illustration übersetzen kann, brachten ihm im Juni 2024 den Preis des Kulturrats ein.

Liebe Gäste, liebe Kunstfreunde, 

Lieber Johan, 

Im Namen des ACR heiße ich Sie herzlich willkommen zur feierlichen Eröffnung der Ausstellung von Johan Dockx „elke dag een nieuwe nacht“ (jeden Tag eine neue Nacht). 

Jedes Jahr verleiht der ACR einen Preis an einen Künstler, der auf die eine oder andere Weise mit unserer Stadt verbunden ist. Dieses Jahr haben wir uns nicht für den Geringsten entschieden. Johan Dockx ist Grafiker, Illustrator und ehemaliger Art Director der Zeitung De Standaard. Er wohnte knapp zehn Jahre in Aarschot und ließ sich danach endgültig in Langdorp nieder. Sein unverkennbares Talent, sein Sinn für Ästhetik, die verschiedenen Techniken, die er anwendet, und die meisterhafte Art, wie er ein Konzept in eine Illustration übersetzen kann, führen dazu, dass er diesen Preis des ACR erhält.

Zeichnen und Lesen ist Leben für Johan Dockx. Als leidenschaftliche Leserin von De Standaard kenne und liebe ich sein Werk. Seine Zeichnungen von Mensch und Tier, von der Natur mit ihrer Fauna und Flora, seine Illustrationen zu den Dingen des Tages sind wundervoll, und dann gibt es noch die fesselnden Schriftstellerporträts, die er für DSL zeichnet.

Als ich ihn zum ersten Mal traf – ganz in Schwarz – hatte ich ein Fin-de-siècle-Gefühl. Vor mir stand ein stilvoller, höfischer Mensch, ein Ästhet, der mit vielen der Schriftstellerporträts zusammenfiel, die ihm am Herzen liegen, wie Pessoa, Baudelaire, Kafka, Rilke, Connie Palmen, Harry Mulisch, Jeroen Brouwers. Ich greife völlig willkürlich eines heraus: das Porträt der Schriftstellerin Katherine Mansfield, geboren 1888. Sie zählt zu den Meistern der Kurzgeschichte (Puur geluk). Sie war eine bisexuelle neuseeländische Schriftstellerin, die nach England auswanderte und schwer krank war: Sie litt an Tuberkulose. Und sie litt unter der Trennung von ihrem Ehemann John M. Murry, den sie anbetete. Stabilität fand sie bei Ida Baker, ihrer „Frau“. Selbst als ihre Krankheit auf dem Höhepunkt war, schrieb sie weiter. Sie starb im Alter von 34 Jahren, und in den Bloomsbury-Kreisen, in denen sie verkehrte, hieß es, sie habe „ein Gesicht wie eine Maske“, ihr wahres Wesen sei unfassbar … Nun, das hat jedenfalls im Porträt, das Johan Dockx von ihr schuf, keinen Platz. Ihr zartes Gesicht, von einem Pagenkopf umrahmt, fängt alles Licht von rechts ein. Man wird zu ihren Augen hingezogen: Sie durchbohren nicht, sie spotten nicht. Wie sie einen ansieht, lässt einen nicht mehr los. Aus ihrem Blick lässt sich so viel lesen. 

Es ist daher selbstverständlich, dass der ACR (die Kommission für Kunstankäufe) seine prächtige Reihe von 16 literarischen Porträts wählte, die einen schönen Platz in unserer Bibliothek bekommt. Seine Kollegin Karen Wijckmans sagt dazu: „Es wirkt wie ein Kinderspiel, spontan und deshalb so stark. Nichts klemmt in seinen Porträts. Alles stimmt innerhalb des eigenwilligen Universums, das Johan erschafft. Und doch macht jedes Porträt dem Autor Ehre. Jedes Porträt spiegelt die Persönlichkeit des Autors wider.“ 

Johan Dockx ist auch großzügig. Er spürte, wie gern wir seine Zeichnungen sahen. Wir durften von ihm noch 5 weitere Werke für unsere Stadt auswählen. Sie können alle hier bewundern: Dame mit Hut, Dame als Raubvogel, ein Porträt der Operndiva Maria Callas, eines von Leopold II., König der Belgier, und das Schriftstellerporträt von Franz Kafka, der Gregor Samsa als Käfer erwachen ließ. Man muss allerdings aufpassen: Nichts wird „zufällig“ gezeigt, alles ist bedeutungsvoll. Manchmal dauert es einige Sekunden, bis sich die Bedeutung preisgibt. Und das macht seine Illustrationen so fesselnd. Der Betrachter, der sich die Mühe macht, vor seinen Zeichnungen stehen zu bleiben, erlebt selbst eine kleine innere Reise. 

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Denn in der Tat, um zum Wesen von Johan Dockx vorzudringen, muss man sein Werk genau betrachten. Ein Werk, das viele Stile kennt: von Collagen über prächtige Porträts und Tierzeichnungen in Bleistift und Feder bis hin zu Mixed Media. In sehr vielen seiner Werke treffen Bleistift, Kohle, Kugelschreiber, Tusche, Fotos, Scans oder sogar Kaffeeflecken aufeinander. 

Seine Kollegin bei DS, Astrid Houthuys, sagt: „Wer etwas über Johan Dockx erfahren will, muss gewieft sein. Wie ein Verschwindungskünstler kommt und geht er wie Ebbe und Flut. Tagsüber ist dieser Dockx ein Mensch, bei Mondlicht wird er zum Raben. Rastlos. Uralt. (Aber wer ihn kennt, weiß: Er lässt nie los. Gibt niemanden auf.) Ein Dockx arbeitet hart, am liebsten nachts.“ Das kann ich bestätigen. Ich selbst durfte im Vorfeld des Aufbaus dieser Ausstellung E-Mails von Johan erwarten, „nachdem die Dämmerung eingetreten war“, oder, ich zitiere: „Mehr Erklärungen schicke ich heute Nacht.“ Der Titel seiner Einzelausstellung spricht daher Bände: „elke dag een nieuwe nacht“. Dass harte Arbeit sein Credo ist, ließ er bei einer anderen Begegnung fallen, als er auf seinen Lieblingsautor R.M. Rilke verwies, der den Bildhauer Rodin fragte: „Wie muss man leben?“ Worauf dieser ihm antwortete: „Durch Arbeiten.“ Dutzende, Hunderte, vielleicht tausend Mal stand Johan vor einem leeren Blatt, um mit der linken Hand zu zeichnen oder aus einem Konzept Illustrationen zu machen. Für diese Ausstellung hat er daher eine reiche Menge seiner Arbeiten ausgewählt. 

Woher nimmt er jedes Mal die Inspiration? Wo wir das Wort Inspiration verwenden, spricht Johan von „sanfter Eingebung“, dem Produkt harter Arbeit und Hingabe. 

Für die Zeitung illustriert Johan die Kolumnen des Theatermachers Josse De Pauw und seit Kurzem auch die von Maj Vandergeten. Der Zufall will es, dass Maj ihre Karriere als Mädchen für alles in der Redaktionsabteilung von DS begann, wo sie dann aufstieg. Nun, so viele Jahre später, musste sie in noch recht jungem Alter in ein Limburger Wohn- und Pflegezentrum ziehen, wegen der rasch fortschreitenden Alzheimer-Erkrankung ihres Mannes und ihrer Parkinson-Erkrankung. Im Oktober letzten Jahres brachte Josée Lehon ihren schönen Gedichtband „Vier met mij, dans met mij“ heraus, woraufhin Maj das Angebot annahm, eine zweiwöchentliche Kolumne in DS zu schreiben. Zu jeder ihrer Kolumnen fertigte Johan eine Zeichnung an. Es ist nicht einfach eine Zeichnung, sondern eine einfühlsame Interpretation dessen, was Maj schreibt, wobei jedes Mal eine Hand oder Hände im Mittelpunkt stehen. Nach Meinung von Kennern ist es sehr schwierig, Hände zu zeichnen oder zu malen. Hier zeigt Johan Dockx seine Meisterschaft. Wir freuen uns daher sehr, Ihnen heute diese berührenden Illustrationen als Erste zeigen zu können.  

Liebe Leute, mir bleibt nur noch, Johan Dockx zu dieser Ausstellung und zu seinem Preis des ACR zu gratulieren. Ich möchte auch der Stadt Aarschot und dem gesamten Museumsteam und allen Mitarbeitern des CC Het Gasthuis danken, insbesondere Roeland Holemans. Ihnen biete ich an, meine Einladung zum „Lesen“ von Johan Dockx’ Werk, einem Werk, das zum Wesen unseres Daseins vordringt, mit beiden Händen anzunehmen. 

Agnes Hendrickx 

Vorsitzende des Aarschotter Kulturrats 

… Darf ich ihn den Nestor unserer Künstler nennen? Auch wenn das nicht ganz stimmt, denn ich kenne keine jüngere Seele, keinen verspielteren Burschen, keinen überschwänglicheren Charakter. Und doch, seine Figuren, ob sie nun modelliert oder gezeichnet sind, stehen mit ihrem ganzen Wesen mitten im Wahren Leben! Sie halten uns einen Spiegel vor. Unser Scheitern und Gewinnen, unser Wagen und Zaudern, unser Zögern, unsere Scham, unsere Rücksichtslosigkeit, unser Springen, unser Fallen und Wiederaufrappeln. Wir sind es; der Mensch, der da steht in unserer PURE. Und auch wenn wir in Bronze gegossen sind, bleiben wir zart und weich wie das Wachs, das wir waren, als wir in seinen Händen geknetet wurden. … – Josée Lehon, Kunsthistorikerin

Jan Rosseels fertigt Skulpturen aus Wachs, die später in Bronze gegossen werden. Oft haben sie einen Ausschnitt aus dem alltäglichen Leben zum Thema. Die Figuren sind verrenkt zwischen viel zu langen Armen und großen Händen. Vielleicht ist dies eine Übersetzung der komplexen Natur des Menschen. Quelle: kunstroute Hageland

Er wurde für die Ausstellung Junge Belgische Bildhauer, Brüssel 1974, ausgewählt. Jan Rosseels stellt ständig im In- und Ausland aus (Aarschot, Löwen, Antwerpen, Brüssel, Paris, Düsseldorf, Frankfurt,…).

1987 wurde er Preisträger der Bildhauerkunst, Antwerpen.

Jan Rosseels in seinem Atelier
Hulst, 57
3272 Testelt
Tel. 013/ 77 61 09

… Darf ich ihn den Nestor unserer Künstler nennen? Auch wenn das nicht ganz stimmt, denn ich kenne keine jüngere Seele, keinen verspielteren Burschen, keinen überschwänglicheren Charakter. Und doch, seine Figuren, ob sie nun modelliert oder gezeichnet sind, stehen mit ihrem ganzen Wesen mitten im Wahren Leben! Sie halten uns einen Spiegel vor. Unser Scheitern und Gewinnen, unser Wagen und Zaudern, unser Zögern, unsere Scham, unsere Rücksichtslosigkeit, unser Springen, unser Fallen und Wiederaufrappeln. Wir sind es; der Mensch, der da steht in unserer PURE. Und auch wenn wir in Bronze gegossen sind, bleiben wir zart und weich wie das Wachs, das wir waren, als wir in seinen Händen geknetet wurden. … – Josée Lehon, Kunsthistorikerin

Kamerood sesteg

Diese Bronzestatue des Kamerood Sesteg schuf Jan Rosseels im Auftrag der „Männer von 60“, die sie der Stadt Löwen schenkten. Die Statue steht im Sint-Donatuspark in Löwen. Sie wurde am 10. September 2000 eingeweiht.

Sie geht auf den Löwener Begriff „kamerood sesteg“ zurück, dessen genaue Bedeutung niemand mehr kennt. Oft heißt es, er stamme aus dem mittelalterlichen Schützenleben. Die Schützenvereine durften höchstens 60 Mitglieder zählen. Jedes Mal, wenn ein Mitglied starb, durfte ein „Bleuke“ (Neuling) in die Gilde eintreten: das 60. Mitglied oder der Kamerood 60 also. Der Ausdruck wird noch immer verwendet, um einen Neuling mit herablassender Sympathie zu bezeichnen.

Der Begriff wurde von den Löwener Männern von ’60 begeistert aufgegriffen. Diese beauftragten Jan Rosseels, ihm eine Statue zu widmen. Sie schenkten sie der Stadt im Jahr 2000, als sie alle 40 wurden. Der Schöpfer ließ die Statue vor Symbolik strotzen mit einem ewig jungen Mann voller Lebenslust. Der Finger an der Nase deutet auf einen Naseweis. Die Weltkugel zu seinen Füßen steht für Illusion, das Baby für neues Leben, die Schnecke für das langsame Fortschreiten hin zum Altwerden und der reifere Mann mit einem Blumenstrauß für „gern die Sau rauslassen“. (Quelle: leuven.be)

Die Freude der Jugend
Die Statue zeigt ein spielendes Kind mit einem Ballon in der Hand. Ein Museum hält dem Besucher einen Spiegel vor. Darin blickt er in die Vergangenheit, stellt aber auch eine Verbindung zur Gegenwart und zur Zukunft her. Einst war das Gebäude eine Entbindungsklinik. Viele Aarschotter wurden hier geboren, auch der Künstler Jan Rosseels erblickte hier das Licht der Welt.
Wie das erneuerte Museum wirkt die Statue jung und jugendlich. Auch das Kind hat noch eine ganze Zukunft vor sich. Der Ballon verweist auf die Flüchtigkeit der Dinge. Man muss ihn loslassen dürfen, davonfliegen lassen zu einem unbekannten Ziel. Auch seine Jugend muss man loslassen können, ohne sie zu vergessen.

Der Aarschotter Kulturrat verleiht jedes Jahr einen Preis an einen Künstler, der auf die eine oder andere Weise mit der Stadt verbunden ist. 2021 erhält der Bildhauer Jan Rosseels diesen Preis für sein Gesamtwerk.

https://maartenceulemans.be